TEMA 13: CORRIENTES ARTISTICAS(exposiciones maestra)

MINIMAL ART
se persigue la maxima objetividad, sintesis y simplicidadmreiteracion de uso de materiales y formas todos los artistas concretan su trabajo en unidades modulares geometricas y tridimensionalidades.
osmosis entre la obra y el sitio
otra caracteristica es el vinculo directo e indisociable entre la escultura y el espacio.
La caracteristica mas valiosa de la obra minimal es su capacidad para provocar interes un interes mas relacionado con el pensamiento y la reflexion que con la contemplacion de la obra.

ARTE CONCEPTUAL
movimiento de protesta surge a manera de reniego al postmodernismo surge en lo 60
EL ARTE SIN FRONTERAS
durante la epoca de los 60s se da una total ruptura entre las artes pintura y escultura, objeto artistico y la experiencia artistica entre la vida y el arte
el espiritu rupturista delo dadismo surrealismo da tono a las ultimas tendencias del siglo xx se borran las pautas del pensamiento renacentista abordando con vigor catalizador la realidad del hecho artistico.

ARTE COMO CONCEPTO
la genesis del denominado “conceptual art” lo podemos encontrar en el happening o arte de la accion intentaba superar los prejuicios tradicionales mediante la declaracion de la realidad en el arte y de las acciones en el espacio
El objeto artistico en el happening es la propia accion realizada en muy diversos medios cotidianos no necesatiamente dentro de una estructura artistica como galerias de museos

ARTE CONCEPTUAL
los precedentes del arte-accion se encontrarian en las declaraciones dadaistas que mostraban la introduccion directa de la realidad en la obra y en las experiencias de la pintura accion de pollock donde el proceso pictorico es mas importante que el prodcto final
El termino arte conceptual se aplica a diversas manifestaciones artisticas que propugnan el desplazamiento de la obra artistica como objeto hacia el concepto.

ARTE DE ACCIÓN
Tenia una estructura abierta no narrativa es decir sin comienzo medio y final y pretendia hacer vivir al publico una serie de experiencias basadas en ideas previas no estructuradas ni elaboradas linealmente.
La forma del happening dependia de los materiales elehidos u de los sucesos causales que en el ocurrian
el arte de accion seria un punto medio entre la plastica visualidad musica y teatro.
Joseph beuys
jordi benito
gilbert y george- delimitaban zoma y caminaban como robots jugaban a que ellos eran la obra de arte

ARTE DE LA TIERRA
El espacio natural y sus propios materiales se econvierten en bases conceptuales de nueva dimension comunicativa para las experiencias del land art.

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La maestra nos dio la expliacion de estos temas en clase, me parecía un poco cansado por el hecho que esta todo apagado, sin ruido y me parece difícil concentrarme.

Pienso que ejemplos diferentes hubiera aprendido talvez mas, porque al ser varias corrientes me confundia si no tomaba nota.

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ACTIVIDAD: Cuadro realizado en equipos

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Llevamos material y con colores primarios blanco y negro creamos colores y emprezamos a aventarlos de manera divertida, de la manra mas como que quisieramos. me gusto esta actividad porque tirabas pintura a la imaginacion sin darle un sentido y ya una vez que lo hicimos nos dimos cuenta que tenia forma de la silueta de una mujer y quisimos empezar a darle mas forma.

TEMA 12: CORRIENTES ARTISTICAS DE LOS AÑOS 60’S

Posmodernismo

-Estructuralismo

La reconstrucción urbana necesaria posterior de la segunda guerra mundial parecía ser la tabula rasa que necesitaba la arquitectura moderna para demostrar su capacidad de crear ciudades.

El estructuralismo rechazaba la tecnología como poder generador de la arquitectura y buscaba nuevos arqueo tipos que fueran inmunes a los cambios históricos.

Su gran inspirador fue Aldo Van Eyck que había recorrido el norte de áfrica haciendo suya la proposición de levi-strauss de que la estructura de una sociedad deriva de las redes de relaciones.

Adapto los conceptos de la lingüística a la antropología.

Época 1950, Peter y Alison Smith so propusieron proyectos urbanos a gran escala

-Regionalismo

Fue una reacción a la excesiva uniformidad de la arquitectura moderna

Conforme la modernidad se instalaba en la expresión artística occidental se hizo evidente que sus cualidades los materiales y las técnicas de construcción no eran fácilmente aplicables en otros lugares.

Le Corbusier se enfrentó a este desafío en su diseño para la nueva ciudad de chandigarh

Muchos otros arquitectos encontraron su propio estilo adaptando algunos de los principios formales de la modernidad y empleando materiales locales.

Ejemplo las creaciones de Luis Barragán en México constituyen dos variantes de personalidad propia ambas apoyadas en la ingeniería gracias a la cual es posible crear formas extraordinariamente dinámicas y de gran colorido

-Metabolismo

En 1960 surgen los metabolistas de un grupo de talentosos arquitectónicos japoneses que alcanzaron la madurez creativa después de la segunda guerra mundial

Sus principios reflejan preocupaciones de una sociedad sometida a un crecimiento demográfico y a continuos cambios tecnológicos.

Simbiosis, comunicación, tecnología, información

Rápido crecimiento económico

Kenzo tange gran impulsor del metabolismo

-Posmodernismo

La arquitectura engloba varias tendencias, sus fuentes de inspiración iban de referencias históricas hasta la cultura popular.

Se convirtió en el lenguaje dominante de la segunda mitad del siglo xx, fueron evidentes las limitaciones de la arquitectura moderna para incorporar conceptos.

Robert Venturi fue el primer representante y gran erudito del posmodernismo.

-Tecnologismo

Década de 1950, la popularidad dela estética, la ciencia ficción y altas tecnologías inspiraron a una nueva tendencia arquitectónica.

Tecnología, ligereza, eficacia, marco.

Reyner Banham

-Neorracionalismo

Difiere del racionalismo, su arquitectura radica en la comprensión de patrones urbanos.

Surge en 1960 en torno a la necesidad de crear nuevos vínculos.

Rechazaban lo moderno y proponían un modelo urbano integrado donde todos los elementos fueran esenciales.

Oswald Ungers y Aldo Rossi

La retícula es una necesidad un patrón abstracto que ordena y da coherencia a las formas externas.

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Todo esto giran en base a la arquitectura del libro ISMOS para entender la arquitectura.

Realizamos una investigación ya sea en libros físicos o digitales en la biblioteca de la escuela buscando una corriente artística de los 40’S a los 60’S.

Me resulto interesante el como la arquitectura tiene las mismas corrientes pero no tienen nada que ver con el diseño, muchas veces es muy diferente el como lo vivian los arquitectos y en que se basaban.

Me parecio agradable el poder elegir varios libros y ver el como se relacionaban las corrientes y como surgen cada una de ellas.

Considero que podría mejorar mi trabajo transmitiendo la información que obtengo en los próximos diseños que realice, dándoles un sentido.

TEMA 11: Historia del diseño industrial

Semejanzas Diferencias

 

·         Es un movimiento a consecuencia de lo moderno

·         Pasa de una economía de producción a una economía de consumismo

·         Formas geométricas

·         Entra la ergonomía

·         Diseño equiparable funcional y estético

·         Flexible y con preferencias para las habilidades del usuario

·         Simple e intuitivo

·         Información del objeto clara y eficaz

·         Margen de error, riesgos de uso

·         Mínimo esfuerzo físico

·         Tamaño de espacio para el usuario

·         Green design

·         Formas orgánicas limpias eficientes y austeras.

·         Relación entre diseño ciencia y tecnología

·         Proceso de forma consiente y controlada

·         Good design

·         Buen funcionamiento

·         Armónico

·         Inteligente e innovador

 

 

·         Es una época del desencanto

·         Relaciona el pasado y el presente para tener así un nuevo concepto

·         Trabajaban con mobiliario, textiles, cerámica, etc…

·         Característica principal el uso del color en tonalidades atrevidas

·         Cosechando un gran éxito comercial

·         A favor del sentimentalismo, la nostalgia y la emoción

·         Se enfoca en deseos y necesidades del usuario

·         Gira entono en la función del producto

·         Rechazo al racionalismo simplista

·         Educar los sentidos

·         Mas teórico

    Realizamos una lectura de la revista historia del diseño industrial y el libro historia teoría y practica del diseño industrial. Donde nos daban a conocer como este se fue creando y las diferencias que tenían en relación con otros diseños.
    Me resulto interesante el como tiene tanta semejanza el libro de hace ya varios años que una revista moderna donde se busca ahora si principalmente un uso adecuado del producto, involucran al usuario, sus medidas atropometricas y crean un diseño ergonómico.
    Me parecio un poco tedioso el leer el libro porque era bastante contenido y desconocia algunas de las palabras que utilizan en el, considero que podría mejorar mi trabajo empezando a leer mas acerca de esto para asi poder tener un mejor entendimiento de las lecturas.

TEMA 10: RAYMOND LOEWY

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Realizamos una lectura acerca de Raymond loewy donde conocimos sus trabajos y su trayectoria, conoci acerca de el y como veía el diseño de aquí sin estética y a veces sin utilidad.

Me resulto interesante el como el decide hacer un libro llamado lo feo no se vende en donde habla acerca de los diseños inesteticos.

Me parecio agradable el hecho de poder representaro a el en una historieta para un mejor entendimiento de lo que era su trabajo.

Considero que podría mejorar mi trabajo , si supiera un poco mas de los programas para hacer ilustración digital.

SEGUNDO PARCIAL

#1.-Bauhaus vkhutemas

LO QUE YA SE

  • Bauhaus Fue una escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura.
  • Fundada en Alemania
  • Sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico.
  • Vkhutemas fue una escuela estatal de arte y técnica.
  • Su intención era preparar maestros artistas para la industria.

LO QUE ME GUSTARIA SABER

  • ¿Cómo fue que decidieron crear esta escuela?
  • ¿Cómo lograron la arquitectura de ciertas escuelas?
  • ¿Qué técnicas fueron descubiertas y aplicadas?

PREDICCIONES SOBRE LO QUE ENCONTRARÉ

  • Quien fundo la escuela y con ayuda de quienes
  • Las técnicas descubiertas
  • Los cambios que estas tenían en la sociedad
  • La dificultad de convencer a las personas de un cambio.

ANALISIS #2

El Vchutemas / Vchutein

El nombre Vchutemas corresponde a las siglas (en ruso) de los “Talleres Estatales de Enseñanza Superior del Arte y de la Técnica”, institución creada en Moscú, en 1920, con el objetivo de “formar artistas-plásticos altamente cualificados, cimentar artísticamente la formación de los arquitectos y fomentar la artesanía y la producción para bien de la economía nacional

El nacimiento del Vchutemas está inserto en las reformas de la educación artística que tuvieron lugar en Rusia como consecuencia de la Revolución de Octubre de 1917 y que contaron con el apoyo delas nuevas autoridades; podemos decir que nació y se desarrolló como resultado del fermento revolucionario propio de la etapa que se estaba viviendo y de un cierto romanticismo característico de los movimientos artísticos de la Rusia de principios de siglo que buscaban nuevos horizontes.

En 1915 Kasimir Malevich publica el Manifiesto del suprematismo donde se propone la liberación de la determinación sensorial, es decir de la experiencia objetiva.
Entre los artistas constructivistas podemos mencionar, además de Tatlin, a Alexander Rodchenko, El Lissitzky (1890-1941), Antoine Pevsner (1886-1962), Naurn Gabo, Moholy-Nagy.

“Programa del Arte” elaborado en 1918 por un colectivo de artistas a iniciativa del Departamento de Arte (IZO). El “Programa” planteaba, entre otras cosas, dar una nueva definición básica a la función del arte en la sociedad socialista, reorganizar las instituciones artísticas, elevar la artesanía a la categoría de arte, fecundar la artesanía con la colaboración de artistas innovadores, etc. El IZO se creó en mayo de 1920 el Instituto de Cultura Artística (Inchuk), su primer presidente fue Kandinsky, autor del primer programa del Instituto, que buscaba amalgamar el suprematismo de Malevich, el concepto de Tatlin de la “cultura material” y sus propias teorías en un concepto pedagógico coherente y que planteaba investigar científicamente, en forma analítica y sintética, los elementos básicos de los distintos géneros artístico.

Este programa, que fue criticado por miembros del Inchuk, coincide en sus aspectos principales con elementos de su posterior enseñanza en la Bauhaus, en donde Kandinsky se integra a mediados de 1922.
En aquella época Kandinsky se interesaba en la interpretación psicológica de las reacciones estéticas que provocaban en la psiquis del hombre los medios de expresión artística. Después que Kandisnky se marchó, el Inchuk no abandonó las investigaciones científicas pero les dio otra dirección centrándose más en las estructuras materiales. Entre los miembros activos del Instituto podemos mencionar, entre otros, a Malevich, Tatlin, Vesnin, Popova, Rodchenko, más tarde docentes del Vchutemas.

Se buscaba, establecer un nexo entre el arte y la técnica, conciliar la intuición con el pensamiento científico riguroso; la formación debía ser al mismo tiempo técnica y humanística lo que requería cursos teóricos, y prácticas de taller en donde se adquiría habilidad manual, destreza y precisión técnica.

El aprendizaje de los específicos instrumentos configurativos tenía lugar en cuatro unidades didácticas especiales: para la gráfica, para la superficie y el color, para el volumen, y para el espacio.

Unidad didáctica para la gráfica.

Esta unidad tenía como función posibilitar la adquisición de una flexible capacidad perceptiva, dentro de este contexto se impartía a los alumnos conocimientos sobre la fisiología de la visión.
Unidad didáctica para el estudio de la superficie y el color.
El objeto de esta unidad era analizar las propiedades del color, la relación entre color y forma, los efectos del color sobre las representaciones volumétricas y sobre las superficies, etc. Paralelamente los estudiantes analizaban el color desde el punto de vista físico, fisiológico y psicológico.
Unidad didáctica para la representación del volumen.
Aquí los alumnos analizaban los volúmenes como medio de organizar el espacio, las interacciones entre volumen y espacio circundante, etc.
Unidad didáctica para la configuración del espacio.
El objeto de este curso era analizar las cualidades elementales de las formas espaciales, la forma del espacio como tal, el ambiente circundante, el punto de vista del observador, etc. los alumnos pasaban al estudio de los materiales -estructura, superficie, cualidades tanto físicas como psíquicas, posibilidades de uso, etc.- y los principios de composición. Una vez terminado el curso preparatorio, recién se iniciaba el verdadero estudio de los objetos. Su idea era transmitir a las nuevas generaciones las recetas ya especializadas.

Las especialidades eran: producción industrial, gráfica, pintura, escultura y arquitectura; la producción industrial abarcaba cuatro ramas: metal, madera, cerámica y textil. La duración del curso profesional de especialización en la respectiva facultad era de dos años. Al terminar los estudios recibían el título de artista tecnólogo.
A finales de 1926 se reorganizó la enseñanza y se redujo a un año el curso preparatorio en beneficio del profesional.

El taller de proyecto de interiores y de muebles estuvo dirigido por El Lissitzky, y de allí salieron muebles que se caracterizaron por su gran simplicidad, su forma funcional y su claridad de composición.

Es interesante destacar que el Vchutemas y la Bauhaus, que nacieron con poca diferencia en el tiempo, plantearon objetivos similares: fusión del arte con la artesanía, participación de los artistas en los trabajos de diseño, creación de talleres de producción.

ESTRUCTURA PEDAGOGICA

El suprematismo es el reencuentro con el arte puro, con ese arte que, en el transcurso del tiempo se ha vuelto invisible, escondido bajo el espesor de las “cosas”.
El arte ya no quiere seguir al servicio de la religión y del Estado, no quiere ilustrar la historia de las costumbres, no quiere saber nada del objeto como tal, y cree poder afirmarse sin la “cosa”, sino en sí mismo y por sí mismo.
El cuadrado negro sobre fondo blanco ha sido la primera forma de expresión de la sensibilidad no objetiva: cuadrado =sensibilidad, fondo blanco = la “nada”, es decir lo que está fuera de la sensibilidad. Y, sin embargo; la inmensa mayoría de la gente ha considerado la ausencia de objeto como el fin del arte, y no hare conocido el hecho inmediato de la sensibilidad hecha forma.
El cuadrado de los suprematistas y las formas que han derivado de él se pueden comparar a los “signos” del hombre primitivo, que, en su conjunto, no quería ilustrar, sino representar la sensibilidad del “ritmo”.
El suprematismo no ha creado un nuevo mundo de la sensibilidad, sino una nueva representación inmediata del mundo dela sensibilidad en sentido general.
Los artistas han preferido siempre utilizar el rostro humano en sus representaciones, porque han creído encontrar en él la mejor posibilidad de expresar las propias sensaciones. Y, a pesar de todo, los suprematistas han abandonado la representación del rostro humano y del objeto naturalista en general y han buscado nuevos signos para interpretar la sensibilidad inmediata y no los reflejos hecho “formas” de las diversas sensaciones; porque el suprematista no mira ni toca: sólo percibe.

#CUADRO NUMERO 3 SE ENCUENTRA AQUI ABAJO

Reporte del Proceso para el proyecto Vchutemas&Bauhaus

Diana Alejandra Ortega Alvarez
Mitzy Rocio González Hernández

  1. Introducción, tipo de producto a crear.

Hemos creado el juego de la oca, el cual consta de un tablero de 21.5cm por 41.5 cm, que contiene 22 casillas para avanzar. Y se divide en 4 clasificaciones. Tarjetas de preguntas para poder avanzar y un dado.

 

  1. Guión.
Hechos  Dan información acerca de personas, lugares, cosas, eventos y abstracciones específicas.
Secuencias temporales  Que tiene que ver con la cronología en que suceden los eventos.
Redes Causales  Son eventos que llevan a algo, que producen un producto o efecto.
Problema-soluciones  Consiste en señalar un problema y sus posibles soluciones.
Episodios  Son eventos específicos que tienen un lugar, participantes, duración, una causa y efecto.
Generalizaciones Son oraciones que pueden proveer ejemplos.
Principios:  Los principios son generalizaciones que se consideran como reglas generales que se aplican a un contenido y pueden ser: Causa-efecto, correlacional, probabilidad y axiomáticos
Hechos El nombre Vchutemas corresponde a las siglas (en ruso) de los  “Talleres Estatales de Enseñanza Superior del Arte y de la Técnica”, institución creada en Moscú, en 1920, con el objetivo de “formar artistas-plásticos altamente calificados.

El nacimiento del Vchutemas está inserto en las reformas de la educación artística que tuvieron lugar en Rusia como consecuencia de la Revolución de Octubre de 1917 y que contaron con el apoyo delas nuevas autoridades; podemos decir que nació y se desarrolló como resultado del fermento revolucionario propio de la etapa que se estaba viviendo y de un cierto romanticismo característico de los movimientos artísticos de la Rusia de principios de siglo que buscaban nuevos horizontes.

En 1915 Kasimir Malevich publica el Manifiesto del suprematismo donde se propone la liberación de la determinación sensorial, es decir de la experiencia objetiva.
Entre los artistas constructivistas podemos mencionar, además de Tatlin, a Alexander Rodchenko, El Lissitzky (1890-1941), Antoine Pevsner (1886-1962), Naurn Gabo, Moholy-Nagy.

“Programa del Arte” elaborado en 1918 por un colectivo de artistas a iniciativa del Departamento de Arte (IZO).

El IZO se creó en mayo de 1920 el Instituto de Cultura Artística (Inchuk), su primer presidente fue Kandinsky, autor del primer programa del Instituto, que buscaba amalgamar el suprematismo de Malevich.

En aquella época Kandinsky se interesaba en la interpretación psicológica de las reacciones estéticas que provocaban en la psiquis del hombre los medios de expresión artística. Después que Kandisnky se marchó, el Inchuk no abandonó las investigaciones científicas pero les dio otra dirección centrándose más en las estructuras materiales. Entre los miembros activos del Instituto podemos mencionar, entre otros, a Malevich, Tatlin, Vesnin, Popova, Rodchenko, más tarde docentes del Vchutemas.

Las especialidades eran: producción industrial, gráfica, pintura, escultura y arquitectura; la producción industrial abarcaba cuatro ramas: metal, madera, cerámica y textil.

A finales de 1926 se reorganizó la enseñanza y se redujo a un año el curso preparatorio en beneficio del profesional.

Secuencias temporales El concepto de Tatlin de la “cultura material” y sus propias teorías en un concepto pedagógico coherente y que planteaba investigar científicamente, en forma analítica y sintética, los elementos básicos de los distintos géneros artístico.

Los artistas han preferido siempre utilizar el rostro humano en sus representaciones, porque han creído encontrar en él la mejor posibilidad de expresar las propias sensaciones. Y, a pesar de todo, los suprematistas han abandonado la representación del rostro humano y del objeto naturalista en general y han buscado nuevos signos para interpretar la sensibilidad inmediata y no los reflejos hecho “formas” de las diversas sensaciones; porque el suprematista no mira ni toca: sólo percibe.

El taller de proyecto de interiores y de muebles estuvo dirigido por El Lissitzky, y de allí salieron muebles que se caracterizaron por su gran simplicidad, su forma funcional y su claridad de composición.

Redes Causales Se buscaba, establecer un nexo entre el arte y la técnica, conciliar la intuición con el pensamiento científico riguroso; la formación debía ser al mismo tiempo técnica y humanística lo que requería cursos teóricos, y prácticas de taller en donde se adquiría habilidad manual, destreza y precisión técnica.

El aprendizaje de los específicos instrumentos configurativos tenía lugar en cuatro unidades didácticas especiales: para la gráfica, para la superficie y el color, para el volumen, y para el espacio.

Unidad didáctica para el estudio de la superficie y el color.
El objeto de esta unidad era analizar las propiedades del color, la relación entre color y forma, los efectos del color sobre las representaciones volumétricas y sobre las superficies, etc. Paralelamente los estudiantes analizaban el color desde el punto de vista físico, fisiológico y psicológico.

Unidad didáctica para la representación del volumen.
Aquí los alumnos analizaban los volúmenes como medio de organizar el espacio, las interacciones entre volumen y espacio circundante, etc.

Unidad didáctica para la configuración del espacio.
El objeto de este curso era analizar las cualidades elementales de las formas espaciales, la forma del espacio como tal, el ambiente circundante, el punto de vista del observador, etc. los alumnos pasaban al estudio de los materiales -estructura, superficie, cualidades tanto físicas como psíquicas, posibilidades de uso, etc.- y los principios de composición. Una vez terminado el curso preparatorio, recién se iniciaba el verdadero estudio de los objetos. Su idea era transmitir a las nuevas generaciones las recetas ya especializadas.

El cuadrado negro sobre fondo blanco ha sido la primera forma de expresión de la sensibilidad no objetiva: cuadrado =sensibilidad, fondo blanco = la “nada”, es decir lo que está fuera de la sensibilidad. Y, sin embargo; la inmensa mayoría de la gente ha considerado la ausencia de objeto como el fin del arte, y no hare conocido el hecho inmediato de la sensibilidad hecha forma.

Problema-soluciones  El suprematismo es el reencuentro con el arte puro, con ese arte que, en el transcurso del tiempo se ha vuelto invisible, escondido bajo el espesor de las “cosas”.
El arte ya no quiere seguir al servicio de la religión y del Estado, no quiere ilustrar la historia de las costumbres, no quiere saber nada del objeto como tal, y cree poder afirmarse sin la “cosa”, sino en sí mismo y por sí mismo.La pintura no transmitía un mensaje social (por eso el arte no quería seguir al servicio de la religión y del estado)

 

  1. Documentación del proceso
    ASS

    Ajustando detalles

SDCZ

Tarjetas de preguntas

ZSCZ .3.

                 Tablero de juego con sus diferentes clasificaciones

SDXAS. ZKJHCZKJXHC.

Trabajando digitalmente con el juego

Materiales.
El material utilizado es un tablero y tarjetas impresas en opalina forradas con contac, una caja para guardar el juego y un dado.

Iniciamos el tablero del juego haciendo un recorrido en el cual cada color es una clasificación diferente y para poder avanzar tienes que contestar correctamente y así seguir avanzando hasta llegar a la meta. El primero en llegar es el ganador.

11185656_10204943003392859_65401409_n  tarjetas de juego

11185715_10204943023153353_924589835_n Preguntas

11198394_10204943001512812_1932085277_n tablero

11195333_10204943003512862_1901072457_n   tarjetas por clasificacion

11198589_10204943001232805_564391740_n  juego terminado.

CONCLUSIÓN
En este trabajo aprendimos acerca de cómo las diferentes escuelas estaban ligadas y tenían un mismo fin que era el cómo ligar lo nuevo con formas más simples mediante nuevas técnicas sin dejar de lado el diseño.

El trabajo en equipo es mejor ya que podemos complementar información y resolver dudas juntas.

Trabajando de esta manera es más fácil poder aprender inconscientemente ya que aunque no sepas la respuesta por el hecho de estar “adivinando” se te queda grabada la respuesta y conoces acerca de temas nuevos, es más fácil aplicarlo así ya que nos dimos cuenta que realizar las lecturas es bastante tedioso y confuso.

Nos gustó el hecho de poder tener libre el panorama del juego y hacerlo a nuestro gusto.

 

 

Tema 9: WERKBUND

  1. ¿Cuál es el origen del surgimiento del diseño industrial?

El desplazamiento de la producción artesanal y el remplazo por la producción industrial planteo problemas  y como consecuencia la necesidad de analizar la relaciones entre el arte, artesanía y la industria.

El paso de la artesanía a la producción  industrial trajo como consecuencia las artes aplicadas al diseño.

  1. ¿Cuales estilos fueron antecedente y cuál fue la causa de su extinción?
    el movimiento arts and crafts se extinguió porque no podía haber solución a los requerimientos de una nueva sociedad que surgía en el siglo xx.
    También  el art nouveau se había diluido, se centraba en producir artículos de buen gusto al alcance de una selecta minuria.
  1. ¿Qué país marcó el rumbo en la búsqueda de solucionar los problemas estéticos que planteaba el nuevo sistema de producción y como lo hizo?, explica

    Alemania marco el rumbo de un nuevo sistema de producción en el país de Europa continental, se encargó del desarrollo del diseño industria, se planteó la necesidad de mejorar el diseño en la calidad de los productos.

  1. ¿Quién funda, en qué circunstancias y en qué consistía la Werkbund?
    Friedrich naumann y Karl Schmidt.- 2 defensores de una formación artística decidieron fundarlo poniéndole como significado unión para la obra, es un lugar de encuentro de artistas, diseñadores, artesanos, arquitectos, críticos de arte, industriales, etc, todos estos buscando la manera de logar productos industriales de calidad. Iniciando a finales de 1907. La finalidad era agrupar las mejores fuerzas en los diferentes campos.
  1. ¿Quiénes fueron sus primeros miembros?
    los primeros miembros peter piter pater peater Parker parquer beherns, Henry van de velde, Josef hoffmann, Joseph maria olbrich, theodor Fischer, adelbert niemeyer, Richard riemerschmid, etc. Y numerosas empresas artesanales.

  1. ¿Qué significa la frase “nuestra capacidad de ideación artística está aún por debajo del grado de cultura que ha creado la máquina”? Explica
    significa que las personas de esa época tenían un bajo conocimiento acerca de los movimientos artísticos, que no aceptaban y al momento de crear la maquina.

  2. ¿Cómo es o fue la estética de la máquina?
    una estética basada en formas puras y racionales valorizaba los materiales y los elementos de fabricación, consagraba la unidad del arte artesanía y la industria, adecuado a la función.

  3. En esta estética, ¿qué significa “Sachlichkeit”?
    es objetividad y concreción, correspondencia exacta y calculada de la cosa y la función, de la forma.
  1. Tomando en cuenta el momento histórico en que surge, explica el siguiente párrafo “La tarea fundamental de nuestra época debe ser ayudar a la forma a recuperar su lugar. [ ] Más allá de los objetivos del material y la técnica está la forma. [ ] La forma es una alta necesidad espiritual, de la misma manera que la limpieza es una alta necesidad corporal”

    Nos quiere decir que todo lo que ellos buscaban en esa época era el hecho de crear alguna manera de crear objetos fácilmente, sin dejar de lado la estética y funcionalidad del objeto, buscando diferentes materiales, explorando nuevas técnicas, ya todo va entorno a nosotros buscaban siempre sacar a flote detalles para mejorarlos.

  1. ¿Cuáles fueron las reacciones ante el surgimiento de la Werkbund?
    prácticamente se cierra el ciclo del art nouveau para dar paso a la arte moderno.
  1. ¿Quién fue considerado como el primer pionero del diseño industrial y cuál fue su trayectoria y legado?
    peter behrens, su influencia en la evolución del diseño marco toda una época en el campo de diseño industrial , arquitectura y diseño grafico.
  1. ¿En qué otras naciones europeas se formaron asociaciones análogas a la Werkbund alemana?

En Australia en 1910 en suiza 1913 en Suecia entre 1910-1917, gran Bretaña 1915.

Esta actividad la realizamos en binas, me parecio un poco mas agradable el hecho de romper con la dinamica de exposiciones, ya que aveces pueden volverse un poco tediosas, trabajar en binas resulta mas facil y rapido en algunos casos.
En este tema conoci acerca de como desde tiempos atras empezaban a preocuparse no solo por la estetica y funcionalidad sino tambien en el proceso de produccion en masa para poder facilitar sus replicas sin dejar del lado el dieño.

VANGUARDIAS ARTÍSTICAS ll

ABSTRACCIONISMO

Surge a finales del siglo XlX, principios del siglo XX, surge en Rusia y Alemania con algunos artistas,  Paul Klee.

En este tipo de pinturas se encuentra la bauhaus,se preocupaban porque se viera estético, armonico, practico y funcional.

Se empieza a sintetizar la forma, el mismo artista fue investigando hasta llegar a la sintetizacion.

Se utiliza la función expresiva y simbólica de los colores y del ritmo producido por la relación entre ellos para manifestar los procesos emocionales mediante la pintura, cuyo máximo representante es Kandinsky, representantes más destacados Kandinsky y Delaunay.
Abstraccion geometrica, utiliza la simplificación y el rigor matemático de las formas y los colores en un ritmo estricto y una ordenación calculada. Sus máximos representantes son Malevich y Mondrian

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CUBISMO

Realizaba mascaras muy autenticas.

Es un arte mental, que se desliga completamente de la interpretación o semejanza con la naturaleza, la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas. La desvinculación con la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas. Así un objeto puede ser visto desde diferentes puntos de vista, rompiendo con la perspectiva convencional y con la línea de contorno. Desaparecerán las gradaciones de luz y sombra y no se utilizarán los colores de la realidad, apareciendo en las representaciones el blanco y negro. Las formas geométricas invaden las composiciones. Las formas que se observan en la naturaleza se traducirán al lienzo de forma simplificada, en cubos, cilindros, esferas.
Se enfocaba en retratos y las naturalezas muertas urbanas.
Principal representante Saul Cezanne

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EXPRESIONISMO ALEMÁN

Teatro expresionista alemán se caracteriza por la distorsion la exageración y por un uso sugerente de la luz y sombre las obras de autores como Georg káiser y Ernst Toller.

El expresionismo alemán se basaba en plasmar en el lienzo realidades no objetivas. Hacia distorsión de todos y cada uno de los elementos que componian una pintura o una escultura, teniendo en cuenta o no todos los aspectos a representar.
De esta manera, el expresionismo distorsiona las formas, los rasgos, los colores que caracterizan estados de ánimo y además tiende, a medida que evoluciona, a plasmar la realidad subjetiva, personal, las vivencias atravesadas por la música y por diferentes estímulos que elabora la mente frente a cualquier otra representación del exterior. El expresionismo pretende ser lo opuesto al positivismo, es más una respuesta vital, una toma de conciencia, una ideología y una ética.

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FAUVISMO

Henri matisse y se utilizaba mucho color.

El fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración. Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente.

El movimiento se fraguó en torno a Henri Matisse y sus integrantes fueron André Derain, Maurice de Vlaminick, Henri Manguin, Albert Marquet, Jean Puy y Emile Otón Friesz.

El Fauvismo no fue un movimiento conscientemente definido, careció de un manifiesto. Fue un mosaico de aportaciones en el que cada pintor acometía sus obras como una experiencia personal cargada de espontaneidad y de frescura. Les unió la actitud violenta con la que se enfrentaron a los convencionalismos de la época rechazando las reglas y los métodos racionales establecidos. Reaccionan contra el Impresionismo y contra la importancia que éstos habían dado a la luz a costa de la pérdida del color.

Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este pensamiento condicionó su forma de pintar. No buscan la representación naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo. Por ello, rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas a favor de los colores violentos para crear un mayor énfasis expresivo.

Emplearon una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas, evitando matizar los colores. Las figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de contorno.

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reflexiones y conclusiones

Aprendi acerca de como las diferentes vanguardias artisticas iban cambiando y no con un orden y todo giraba en torno a lo que estaba sucediendo en esos años como la primera guerra mundial. Me parecio un poco extenso y tedioso porque eran muchos pero la verdad es muy interesante.

Tema 8: VANGUARDIAS ARTÍSTICAS

Samuel Bing Bing

Había tendencia hacer las cosas simples, empieza a tomar a la naturaleza como referencia

Fuente de inspiración orgánica, curva cirgelia se forma de dos arcos propiamente de una elipse

Oculencia en las pinturas.

Alfonso muchart, Víctor guimart, Orta y Antonio guadir

Principios del siglo xx

Filipo romasso marineti, este movimiento está ligado al franquismo en Italia, el nacismo no nace en los 20 cuando estalla la segunda guerra mundial, este crece desde antes. El culturismo esta enmadado al fascismo

FUTURISMO

Antecedentes: cubismo sintético por ejemplo: la torre Eiffel
Duchamp: desnudo bajando por una escalera, todo esto esta masen Europa.

Poesía visual una provocación acústico-visual, empezaron como tipo collage el iniciador fue Filippo romasso marinetti.

Giacomo balla: dibujo de un perro corriendo, formas únicas en la continuidad del espacio.

Es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del Siglo XX mientras el Cubismo aparece en Francia, gira en torno a la figura de Marinetti, el manifiesto futurista proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.

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MOVIMIENTO DADA

En Francia Hans arp, presión social, se vivía en un ambiente liberal y no sufrían por lo económico, todo lo contrario a lo que es lo correcto, ellos en un cavarette hacían reuniones hacían poesía, muy pesada, puras loqueras era una manera de manifestar su enojo contra las clases pudientes, fueron los creadores, la escultura trataba de ser realista, se empieza a dar la investigación y la teoría de la interpretación de los sueños, las cosas no son como lo que aparentan, los dadaístas iban contra lo establecido , la parada amorosa, rueda de bicicleta sobre banco duchamp nació de familia artista 1913

Organizo una exposición en chicago se llamó el salón de los rechazados.

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SURREALISMO

Es cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerce ningún tipo de control. Intentaban plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños.

Se empieza a gestar 1905 sus principales fuentes de inspiración de 1400 renacimiento, fantasioso, la pintura metafísica no tiene tanta fuerza pero fue inspiración para el surrealismo.

Lo que lo característica es que trata de temáticas muy personales Frida Kahlo.

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Pintura de Dalí

Español por costumbre son gente devota en el catolicismo muy respetuoso, las figuras se representan con cosas que no son.

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Reflexión y Conclusiones

  1. Aprendí acerca de todas las corrientes históricas y que es lo que influía en ellas para poder tener esos resultados en sus obras que en la mayoría son muy complejos los significados.

TEMA 7: ARTE NOUVEAU

El art nouveau es un movimiento artístico que surge a fines del siglo XIX y se proyecta hasta las primeras décadas del siglo XX. Generalmente se expresa en la arquitectura y en el diseño.

Es un estilo decorativo desarrollado durante la Belle époque en Europa y Estados Unidos. Toma su nombre a raiz de una exposición que realiza Munch en la galería parisina “La maison del Art Nouveau“.
Recurría a líneas sinuosas y composiciones asimétricas. Los motivos más frecuentes eran flores, hojas y la figura femenina. Se aplicó al diseño de interiores, joyas, forja, vidrio, cerámica, telas y, sobre todo, a la ilustración, que alcanzó gran popularidad gracias al invento de la litografía.Artes graficas: art Nouveau

Una de las características principales del Art Nouveau es que se adapta a las circunstancias de la vida moderna, por lo que se halla intimamente ligado a la producción industrial, desarrollándose en dos vertientes: la arquitectura y el diseño gráfico.

Características del Art Nouveau:

  • Se desligó del Simbolismo en busca de una autenticidad de época.
  • Es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores (Renacimiento, Barroco, Neoclasicismo, Romanticismo, etc.) en busca de la identidad de lo urbano y lo moderno, puesto que nacía un nuevo siglo.
  • Utiliza técnicas que le son propias: la reproducción mecánica, como la xilografía, el cartelismo, la impresión…
  • Estéticamente resultan imágenes planas, lineales, ornamentales, que se reducen a una economía de medios que las dota de singular belleza, se alejan de la figuración para centrarse en el mero adorno, muy cerca del diseño industrial.

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Reflexión y Conclusiones

Aprendi acerca de este movimiento, como iba naciendo y dejando de lado a los demas movimientos, vistos.

reforce informacion en esta pagina: http://www.todacultura.com/movimientosartisticos/artnouveau.htm